CONCLUSIÓN

Gracias a los contenidos trabajados sobre los movimientos vanguardistas, pude adquirir muchos conocimientos que desconocía hasta entonces sobre artistas de mucho prestigio. La causa del surgimiento de las vanguardias es el rechazo de pautas anteriores y la estimación negativa del pasado. Las vanguardias significaron una protesta, un grito de rebelión en pos de nuevas realidades. Gracias a esto y a través de la observación de distintas obras pude percibir los sentimientos y experiencias de diferentes autores en épocas determinadas, generalmente enmarcadas por un contexto histórico que repercute en las emociones de los mismos.

No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Muchos movimientos  vanguardistas adoptan técnicas de los anteriores y así se manifiestan nuevos sentimientos, emociones, expresiones, momentos, etc. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

En mi opinión, el movimiento vanguardista que más me gustó y llamó mi atención fue el ARTE ABSTRACTO, ya que la abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Además,acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real, lo que me atrajo mucho.

NEOEXPRESIONISMO
¿Cuándo? 

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Los historiadores y críticos del arte postulan al neoexpresionismo como la transición coyuntural estilística entre las últimas vanguardias de la modernidad y la posmodernidad. Su apogeo abarca desde la década de los 70´s hasta los 80´s. Aún en la década de lo 90´s se puede encontrar obra actual de esta corriente. El desarrollo del Neo Expresionismo se divide en dos momentos principales. El primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta, en la posguerra. Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

¿Qué? 

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. El Neo Expresionismo alemán no es un movimiento homogéneo. Lo componían individualidades de carácter muy marcado. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Fue un movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. 

¿Cómo? 

Se caracteriza principalmente por su agresividad, los temas crudos y de critica social y cómo son tratados. Dibujos muy burdos, cargados de color. 

Retorno a las imágenes de tipo expresionista. 

Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores. 

Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes. 

Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo. 

Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra. 

Ejecución de trazos amplios. 

Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco) 

Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.). 

Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk). 

¿Quién? 

Carlos Maturana Piña (Bororo) es un artista perteneciente al Neoexpresionismo chileno, inserto en la década de los 80. En 1972 ingresó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, lugar en el que impartirá clases de dibujo y pintura entre 1975 y 1981. Entre 1983 y 1985 trabajó como profesor de dibujo y pintura en el Instituto de Arte y Cultura del Colegio Médico de Chile. En 1983 y 1984 se desempeñó como profesor del Taller de Pintura La Brocha en la Plaza del Mulato Gil de Castro. La obra de Carlos Maturana deviene esencialmente ligada al cuadro como soporte tradicional, a diferencia de la producción plástica de los años 70. Característica de su propuesta artística es una expresividad exuberante y visceral, en donde el chorreo pictórico desborda cromáticamente, mientras que la mancha y las gestualidad del acto de pintar adquieren capital importancia. En Cambio de aceite del año 2004 presenta una solución plástica muy ágil y lúdica, de un fuerte informalismo. 

"El Farol": Óleo sobre tela del pintor chileno Carlos Maturana (Bororo). En su pintura vemos una exaltación de la sensorialidad es decir el conocimiento primario de las formas por sobre el reconocimiento intelectual. En sus cuadros se enfatiza la gestualidad expresiva de las pinceladas y el carácter lúdico del arte. 

Carlos Maturana realiza una obra que a medida del tiempo crece en formato, aumentan los tipos de perspectiva a la vez que se complejizan las temáticas. Las referencias íntimas se vuelven cada vez más importantes ya que traducidas en color y visualidad no necesitan la referencia real de la vida del artista. La comunicación que Bororo establece con el espectador es fruto de la sensorialidad, de hacer homólogas experiencias mediante pequeños recursos visuales. 

Bororo impregna en su obra sus emociones frente a la actualidad noticiosa, los sucesos políticos, los desastres naturales, avances científicos..... 

Emociones tales como el asombro, el encanto, el desencanto, la angustia y la celebración. Con ingenio y creatividad el artista alterna la oposición entre la felicidad y la tristeza, manteniendo la gráfica que caracteriza su obra bajo la fuerte influencia del Comic. 

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo 

http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo 

http://www.arteseleccion.com/movimientos-de/neo-expresionismo-33 

http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo

HIPERREALISMO

¿Cuándo? 

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto. Debido al avance de las tecnologías, la producción hiperrealista más reciente ha conseguido un grado de nitidez en “alta definición”. En más de un sentido, el hiperrealismo es el arte representativo de las democracias occidentales en la última parte del siglo XX. 

¿Qué? 

El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Este es un arte que, en un sentido, parece apelar a respuestas enteramente triviales a la sensación placentera de ver algo imitado exactamente, sin importar lo que es esa cosa; pero que a un nivel más profundo habla a su publico porque expresa, sin retórica, la nulidad y desesperación que se encuentra en grandes áreas de la sociedad urbana. El pintor, por lo menos, no se acerca directamente a la realidad, sino que trata de reproducir lo que vería una cámara fotográfica. Se puede ver que el arte de este tipo debe mucho de su carácter a su dependencia del pensamiento conceptual. El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. 

¿Cómo? 

Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográfica-mente la realidad con la técnica pictórica tradicional, aunque cada pintor da un toque personal a sus obras, expresando de esta forma su opinión sobre la imagen. Los temas generalmente son: paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones. El hiperrealismo se trata en definitiva de un estilo que marca una vuelta a la figuración, a reconocer el objeto, un alarde de técnica y detallismo. En algunos casos se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 

Técnica: 

Se emplea la cámara fotográfica como elemento imprescindible para obtener la imagen de lo que se va a representar, sobre todo en la reproducción de retratos, ya que, el tiempo de exposición sería muy prolongado. 

Es necesaria una gran habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía. 

¿Quién? 

Don Eddy (nacido el 04 de noviembre 1944, Long Beach, California) es un pintor estadounidense que saltó a la fama inicial como fotorrealista, pero sus trabajos más recientes han virado hacia el reino de la metafísica. En la década de 1970, las obras de Eddy rindieron homenaje a los coches y el paisaje urbano. En la década de 1980, su trabajo fue más orientado a objetos que representan cristalería, cubiertos, y los juguetes en una serie de estantes de vidrio reflectante. A menudo compone de dípticos o polípticos, que yuxtapone imágenes en relación poética entre sí-"ecosistemas eco", como el artista llama a estas conexiones de la estructura. Don Eddy nació en California. Es conocido por la exploración de la naturaleza y el concepto de la realidad y la percepción visual. Él utiliza la pintura con aerógrafo y miles de puntos de color. En lugar de utilizar únicamente una sola fotografía, Don Eddy reúne más de 40 imágenes para asegurarse de que tiene la imagen más nítida y más clara posible. Actualmente vive en Nueva York.

Sin título (Volkswagen). 1971, acrílico sobre lienzo. En ella brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia. 

http://www.artelista.com/hiperrealismo.html 

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo 

http://en.wikipedia.org/wiki/Don_Eddy

OP ART

¿Cuándo? 

El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. 

Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. 

Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. 

La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos. 

Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest. 

¿Qué? 

Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas. Además el arte óptico es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. 

¿Como? 

Comunicar con sus obras un sentimiento. 

Exigen del espectador una actitud activa. 

En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. 

El arte óptico surge como una variación o interpretación de la abstracción geométrica y se vale de principios científicos y estructuras repetitivas para crear ciertos efectos en el espectador quien en algunos casos puede cambiar la configuración de la propia obra. 

Busca crear en el espectador una sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos que desencadenan en el observador una respuesta visual y psicológica ante la sensación percibida. Este tipo de arte es de tipo técnico y en muchas ocasiones impersonal. 

El artista de Op Art, utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; empleando cierto tipo ilusiones ópticas como el efecto Rubin, que permite descubrir formas convexas a partir de figuras que comparten sus contornos; así como también el efecto moaré, propio de la industria de la impresión, que es producido por la incorrecta intersección de líneas de puntos, círculos concéntricos o líneas junto a otras ilusiones como perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. 

La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. 

Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.-Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. 

Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. 

En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. 

Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. 

El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra. 

¿Quien? 

Bridget Riley (nacida en Londres, Reino Unido,  1931, pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. 

Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward. 

Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. 

La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto. 

POP ART

¿Cuándo?
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. 
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. 


¿Qué? ¿Cómo?
Serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.Con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea, muestra de lo cual son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse Tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell; todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960. Las obras de esta época se caracterizaron por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastada, pero en todo caso vivo y brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas 


¿Quién?
Andy Warhol 

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrerode 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico ycineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art

Los temas del Pop Art son los símbolos de la época, los mitos de la vida diaria. Estés mitos se encuentran sobre todo en la cultura de consumo,ya que los medios de comunicación de masas se disparan siendo cualquier objeto el protagonista. Un ejemplo de este hecho es la obra “Green Coca Cola Bottles” 1962, del artista Andy Warhol




Para los conocedores de su obra, Andy Warhol estuvo marcado por la frivolidad y la extravagancia que establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital, Warhol mismo era una característica de sus singulares obras, identificado por su peculiar aspecto andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo.
Consciente de su imagen como parte de su obra, fue uno de los primeros creadores en explotar su persona con objetivos promocionales: de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más.





http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/tcnicas-pop-art.html

SURREALISMO

"La persistencia de la memoria" de Salvador Dalí (1931)

DADAÍSMO

"Tatlín en casa"  de Raoul Hausmann (1920)

ARTE ABSTRACTO

¿Cuándo? 

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910, como reaccion del realismo, y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, ya que nació en un contexto de circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Fue influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. 

¿Qué? 

El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa estético común. Ha ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de una racionalidad exentos de referencias inmediatas al mundo exterior. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los más importantes fenómenos de la historia del Arte. Con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio. 

¿Cómo? 

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente. Las formas y los colores revelan un universo espiritual, que nos traslada a un plano más elevado, de emociones puras. 

¿Quién?

Wassily Kandinsky, nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, fue un pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París. 

Kandinsky consideraba Composición 8 (1923) como el punto culminante de su logro posguerra. En este trabajo los círculos, triángulos, y los elementos lineales crean una superficie de interactuar formas geométricas. El circulo, menciona Kandinsky, es la síntesis de las mayores oposiciones tanto puedes estar en el centro como en otro lado de el. Por todas las formas geométricas que tiene está unido pero a la vez el mismo se transforma. Por todas las formas geométricas que tiene se encuentra unido pero a la vez el mismo se transforma transportándote por toda su superficie que enmarca el cuadro. 

http://www.arteespana.com/pinturaabstracta.htm 

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto

FUTURISMO

¿Cuándo? 

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Apelaba a la agresividad juvenil como instrumento para acabar con las tradiciones corrompidas, a la violencia y a la guerra como medio de regeneración. Al mismo tiempo, exaltaba las virtudes del progreso científico y técnico, el progreso, con sus consecuencias estéticas, y asumía vertiginosas transformaciones mentales que acarreaba la velocidad de los medios de transporte, la rapidez de la comunicación o la superposición de contenidos informativos en el mundo masificado. 

¿Qué?

Los artistas plásticos pintarán la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc. Por ejemplo las obras de Gino Severino: el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912) y el Tren suburbano (1915). En literatura, el Futurismo, no respetará reglas y buscará denotar energía y libertad. También su contenido apuntará al valor, la audacia y la revolución. 

COMO 

Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. 

Intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. 

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo. 

Vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo). 

Exaltación de la originalidad. 

Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. 

Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc. 

Utilización de formas y colores para generar ritmos. 

Colores resplandecientes. 

Transparencias. 

Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo). 

Los futuristas apelaron a muchos medios expresivos para crear un arte de acción (pintura, arquitectura, urbanismo, diseño gráfico, publicidad, moda, cine, música, poesía). 

¿QUIEN?

Gino Severini (Cortona, 7 de abril de 1883 – París, 26 de febrero de 1966), fue unpintor italiano y uno de los líderes del movimiento futurista. 

El supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo. 

El tren blindado (1915): es un óleo inspirado en una fotografía de unos soldados belgas en un tren blindado, publicada en un periódico ilustrado francés (Álbum de la Guerre), en el cual Severini se concentra en una composición de significativa verticalidad. Bajo la protuberancia del cañón, obviamente fálica, que vomita fuego, cinco soldados disparan hacia la izquierda de la imagen, cinco figuras que parecen continuación de la fría superficie metálica del tren acorazado. Son cinco hombre cuyas únicas formas carnales (rostro y mano) carecen de individuación y de humanización. Los contornos triangulares y picudos de sus cuerpos geometrizados, llenos de aristas y ángulos, parecen resumir la fuerza y la dinámica motriz que dan fundamento al futurismo. Un dinamismo cuya finalidad, en este caso, es matar. En esta obra se elude mostras las consecuencias de la muerte: el cuerpo destrozado, ensangrentado, cuanto menos levemente herido.


http://www.arteespana.com/futurismo.htm 
http://noticias.universia.com.br/translate/pt-es/destaque/noticia/2012/02/11/910770/conheca-dinamismo-um-ciclista-umberto-boccioni.html

CUBISMO

¿Cuándo? 

Los orígenes del cubismo hay que situarlos en las experiencias que llevan a cabo Pablo Picasso y Georges Branque entre 1906 y 1909. El nombre del movimiento se le dio un poco después, cuando expusieron algunos paisajes en el Salón de Otoño de 1908, que parecían tener forma de cubos, se usó el término “cubismo” para identificar una forma de pintar basada en los planos luminosos y transparentes que definían las cosas. 

La primera mitad del siglo XX se caracteriza por los grandes cambios que se fueron produciendo en casi todos los ordenes: social, con el asentamiento de la lucha de clases y el triunfo de las primeras revoluciones proletarias; el político, con el desarrollo de la Revolución Rusa que cambia completamente el panorama político, y con las dos grandes guerras mundiales, con el gran impacto psicológico que dejaron en todo el mundo. 

¿Qué? 

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. Este movimiento viene a representar, frente a otros movimientos de la época, el equilibrio y el orden con un lenguaje propio e innovador. 

Se manifestó sobre todo en la pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. 

¿Cómo? 

En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple». La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto. 

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. 

Utiliza tonos apagados como los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. 

El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. 

¿Quién? 

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973) fue uno de los grandes artistas del siglo XX y quizá el que más fama ha alcanzado fuera del ámbito profesional. Revolucionó el arte y en especial la pintura durante su larga carrera, siendo creador del cubismo. Participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, 2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone). 

Cubismo analítico: 

En Las Señoritas de Avignon (1907) anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas. 

 

Cubismo sintético: 

En Naturaleza muerta sobre silla de rejilla (1912) los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas. Hay una parte que así está tratada reconociéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón. Pero en la parte inferior izquierda tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida. Los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos. Aparecen signos tipográficos 

 

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso 

http://www.arteespana.com/cubismo.htm 

FAUVISMO

¿Cuándo?

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcellesal conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.

¿Qué? 

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo.

¿Cómo?

El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistasfauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.

Este planteamiento, conocido como modelo RYB, clasifica los colores en:

Colores Primarios: rojo, amarillo, azul

Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).

Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color que se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.

Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.

El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.

Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

¿Quién?

Maurice de Vlaminck (París, 4 de abril de 1876 - Eure-et-Loir, 11 de octubre de 1958) fue un pintor fauvista francés.

Vlaminck fue uno de los pintores que causaron escándalo en el Salón de otoño de 1905, que recibió el apelativo de "jaula de fieras", dando nombre al movimiento del que formaba parte junto a Henri Matisse, André Derain, Raoul Dufy y otros.

Vlaminck proviene de una familia de músicos bohemios afincados en París.

En un primer momento Vlaminck no tenía intención de dedicarse a la pintura y su verdadera vocación era ser ciclista de profesión, que combinaba con dar clases de violín o escribir novelas eróticas para ganarse la vida. Debido a una enfermedad (fiebres Tifoideas) Vlaminck abandonará el ciclismo y tras entrar en el ejército y conocer aAndré Derain, se convence de que quizá su futuro esté en la pintura.

"Restaurante de la Machine a Bougival" 

Las marcas fauvistas de Vlaminck en pinceladas de colores fuertes y bestiales que se desarrollan con mayor o menor medida a lo largo del cuadro. En el fondo únicamente destaca el Restaurante Marly, mientras que en un primer plano recibimos pinceladas de formas circulares que dan sensación de aceleración y nerviosismo a la obra formando flores y plantas.

http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

http://fauvismosigloxx.wordpress.com/

http://www.swingalia.com/pintura/caracteristicas-del-fauvismo.php